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Collage è un termine usato per descrivere la tecnica e la conseguente opera in cui pezzi di carta, fotografie, tessuto ed altri effimeri sono disposti e bloccati fino a una superficie di appoggio. Collage può anche includere altri mezzi come la pittura e il disegno e contengono elementi tridimensionali. Il collage di termine deriva dalle parole francesi papiers collés o découpage, usato per descrivere le tecniche di incollare i ritagli di carta sulle varie superfici. Esso fu usato come tecnica di artisti del XX secolo.
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Uno dei materiali più elementari disegno, conosciuti fin dall'antichità. Solitamente è fatto di ramoscelli di salice sbucciato sottile che sono riscaldati senza la presenza di ossigeno. Questo produce neri bastoni friabile, che lasciano microscopiche particelle taglienti in fibre di carta o tessile, producendo una linea più densa al punto di pressione, ma più diffuso ai bordi. Il risultato complessivo è meno preciso di matite di grafite dura, adatti a studi più liberi. Carbone sbavature facilmente e spesso è protetto con un fissativo spruzzato. È usato per fare sia i bozzetti e lavori finiti e come sotto-disegno per quadri. Nel Novecento una versione trasformata è stato sviluppato, chiamato carbone compresso.
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Materiale inorganico bianco o biancastro composto di carbonato di calcio. Naturali, sebbene anche prodotta industrialmente per tutto il Novecento.
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Nel dipinto, il tono si riferisce alla relativa leggerezza o oscurità di un colore (vedi anche Chiaroscuro). Un colore può avere un numero quasi infinito di diverse tonalità. Tono può anche significare il colore stesso. Ad esempio, quando Van Gogh scrive 'esagero l'equità dei capelli, anche arrivare a toni dell'arancio, chromes e cedro-giallo pallido', si riferisce a quei colori ad un particolare valore tonale. Nella sua famosa teoria della pittura, il pittore francese Georges Seurat descrive come colore (teinte) e tono (tonnellata) può essere utilizzati per creare particolari effetti emotivi: ' Gaiety è ottenuta attraverso la luminosità dominante in tono; di calore prevalente nel colore. «Il termine sembra sono entrati in uso diffuso con l'ascesa della pittura direttamente dalla natura nel XIX secolo, quando gli artisti si interessò di identificare e riprodurre l'intera gamma dei toni si trovano in un particolare soggetto. Ciò a sua volta ha condotto ad un interesse nel colore per se stesso e nella teoria dei colori. Tuttavia, tono è anche un termine musicale ed il suo utilizzo in relazione alla pittura riflette la teoria che la pittura può essere come la musica, che è diventato sempre più importante da circa 1870. Da che tempo il pittore Whistler marmellata, ad esempio, realizzati dipinti utilizzando una gamma molto limitata di toni strettamente correlati di solo uno o due colori e diede loro titoli musicali. Questo tipo di pittura è detta pittura tonale. Nel 1908, nelle note del suo pittore A, Henri Matisse ha scritto: ' quando ho trovato il rapporto di tutti i toni il risultato deve essere un'armonia di vita di tutti i toni, un'armonia non dissimile da quella di una composizione musicale. '
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Una Mostra di arte contemporanea su larga scala che si verifica ogni tre anni. Come una Biennale è spesso associata a un luogo particolare ed è caratterizzata da sue prospettive nazionali o internazionali. La Triennale di Tate mette in mostra nuovi sviluppi dell'arte britannica ed è sempre curata da una persona diversa, spesso un direttore di un'altra istituzione di arte. Altre triennali includono l'Asia-Pacifico triennale d'arte contemporanea, che è stato istituito nel 1993, è l'unico grande esposizione internazionale di concentrarsi sull'arte da Asia, il Pacifico e l'Australia.
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L'introduzione del video negli anni sessanta ha radicalmente modificato il progresso dell'arte. L'aspetto più importante del video era che era a buon mercato e facile da fare, consentendo di artisti registrare e documentare la loro performance facilmente. Questo messo meno pressione su dove era situata la loro arte dando loro libertà di fuori della galleria. Uno dei primi pionieri della video arte era Bruce Nauman che ha usato il video di rivelare i processi nascosti creativi dell'artista filmando se stesso nel suo studio. Come tecnologia video è diventato più sofisticato, l'arte si è evoluto da registrazioni in tempo reale, granulose, bianchi e nero all'enfasi presente giorno su installazioni su larga scala di colore. Opere multi-schermati Bill Viola sono teatrali e spesso hanno una narrazione; e Gillian Wearing utilizza uno stile documentario fare arte circa gli aspetti nascosti della società.
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Un armadio grande, smaltato utilizzato per la visualizzazione di oggetti d'arte. Spesso utilizzato nei musei, la teca è stato si appropriò di artisti come Joseph Cornell negli anni cinquanta e Joseph Beuys alla metà degli anni sessanta per visualizzare i materiali insoliti che hanno investiti con significato spirituale o personale. Altri artisti che hanno usato vitrines nel loro lavoro sono l'artista americano Jeff Koons e lo scultore britannico Rebecca Warren.
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Nel tentativo di classificare gli esperimenti rivoluzionari fatti da Pablo Picasso, Georges Braque e Juan Gris, quando erano esponenti del cubismo, gli storici tendono a suddividere il cubismo in due fasi. Fase iniziale, considerata generalmente eseguire dal 1908-12 è chiamata cubismo analitico e il secondo è chiamato cubismo sintetico. Belvedere-di-punto di vista, conseguente a un'immagine frammentaria di molteplici punti di vista e sovrapposizione definito cubismo analitico a causa sua dissezione strutturata del soggetto, aerei. Altre caratteristiche distintive del cubismo analitico erano una tavolozza semplificata di colori, così lo spettatore non era distratto dalla struttura della forma e la densità dell'immagine al centro della tela.
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Può essere definita come arte di donne artisti fatti consapevolmente alla luce degli sviluppi nella teoria di arte femminista dal circa 1970. Nel 1971 lo storico d'arte Linda Nochlin pubblicò un saggio innovativo 'Perché hanno ci stato No grandi donne artiste?'. In esso ha indagato i fattori sociali ed economici che avevano impedito di raggiungere lo stesso status come loro controparti maschii donne di talento. Dal 1980 gli storici dell'arte come Griselda Pollock e Rozsika Parker stavano ulteriormente, per esaminare il linguaggio della storia dell'arte con i suoi termini caricati in genere come il vecchio maestro e capolavoro. Hanno messo in discussione il posto centrale del nudo femmina nel canone occidentale, chiedendo perche ' gli uomini e le donne sono rappresentate in modo così diverso. Nel suo 1972 libro modi di vedere il critico marxista John Berger aveva concluso ' gli uomini guardano le donne. Donne guardare se stessi essere guardato '. In altre parole arte occidentale replica le relazioni disuguali già incorporate nella società. Arte femminista ha seguito una traiettoria simile. In che cosa è a volte conosciuto come arte femminista prima ondata, donne artiste revelled in esperienza femminile, esplorare immagini vaginale e sangue mestruale, posando nuda come figure di dea e con aria di sfida utilizzando mezzi di comunicazione come il ricamo che era stato considerato 'lavoro femminile'. Una delle grandi opere iconiche di questa fase di arte femminista è di Judy Chicago The Dinner Party, 1974-79. Artisti successivi femministi respinto questo approccio e ha tentato di svelare le origini delle nostre idee di femminilità e femminilità. Hanno perseguito l'idea di femminilità come un ballo in maschera — una serie di pose adottate dalle donne per conformarsi alle aspettative sociali della femminilità.
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Poiché l'arrivo dell'arte astratta figurativa il termine è stato usato per riferirsi a qualsiasi forma di arte moderna che mantiene forti riferimenti al mondo reale e particolarmente alla figura umana. In senso generale figurativo si applica anche retroattivamente a tutta l'arte prima di arte astratta. Arte moderna figurativa può essere visto distinguendolo da realismo moderno arte figurativa utilizza idiomi moderni, mentre realisti moderni lavoro in stili anticipando il post-impressionismo (più o meno). Infatti, l'arte figurativa moderna è più o meno identico con la corrente dell'Espressionismo che può essere rintracciato attraverso il Novecento e su. Picasso dopo circa 1920 è il miglior esemplare della moderna pittura figurativa e Alberto Giacometti da circa 1940 è il grande scultore figurativo. Dopo la seconda guerra mondiale figurazione può essere rintracciata attraverso l'opera di Francis Bacon, Lucian Freud e gli altri artisti della scuola di Londra e Pop art, Neoespressionismo e la pittura del nuovo spirito.
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